July 16 > September 12
Opening only on registration :
Thursday July 9 : 6:00 > 22:00
Friday July 10 : 6:00> 22:00
Margaret Lansink "Borders of nothingness"
In the infinite flow of everything, people come and go in our lives. While the presence of some can be so subtle that we hardly register when it begins or ends, with others it’s far clearer: they enter, or leave, with a bang.
In this series of black and white images, Dutch photographer Margaret Lansink (b. 1961) dwells in the emotional state of transition between knowing and not knowing another person.In reaction to her daughter’s decision to suspend contact with her, Lansink uses the camera to feel out the sense of severing a connection. She photographs landscapes and nude women, often rendered mysterious or unreadable, seemingly asking: is this the moment you were gone? Borders of Nothingness raises heavy questions regarding the presence and absence of others in our lives, engaging with our sense of loss as well as the everyday miracle of making the acquaintance of another.
(Katherine Oktober Matthews Feb.2018).
Margaret Lansink is a fine art photographer who graduated PhotoAcademy Amsterdam in 2012. She studied in 2016 at LeMasterklass Paris and in 2019-2020 at the Masterclass of Smedsby Atelier, also in Paris. The works of Margaret have been awarded with Hariban Award 2019 and her work is selected for Head On 2020 and Haute Photographie 2020 Rotterdam. She participates in exhibitions, residencies and competitions in Holland and abroad. Her work has been shown in Amsterdam, Rotterdam, Leiden, Den Helder, Antwerp, Arles, UK, New York, Vancouver, Japan, Tbilisi, Kaunas and Barcelona.
In 2016 Margaret and her partner Rene van Hulst have been rewarded with an AIR with the Kaunas Gallery in Lithuania (november 2016) and with Shiro Oni Studio in Japan (august 2017); both for their project ‘the Kindness of One’. She has published 4 books and two more books will be launched in 2020. Margaret is member of FemmesPHOTOgraphes Paris and member/founder of iwi_collective. Additionally, she often coaches young photographers in developing their signature and portfolio.
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Christopher de Béthune "ORION"
Orion is a memory of a ghost relationship, a personal experience of light and shadow, black, with and innumerable shades of grey. The subjects and words of the author are lost in time, a devouring passion, suffering and the inspiration one can source from these emotional states. A remembrance to which Orion’s belt is it’s cold guardian.
Christopher de Béthune is a Belgian photographer whose images and landscapes in black and white are witnesses of sadness, comfort and nostalgia.
Veiled in a dark romanticism, his work has been described at once impulsive and other times prudent but always with notes of melancholia and solitude, inviting the viewer to travel and abandon.
Japanese cinema has a big influence on the artist's work.
YOUNG TALENT : Robin Nissen "Chrysalide"
Robin Nissen, student at École Supérieure Arts Saint-Luc Liège, joins Margaret Lansink and Christopher de Béthune, at l'enfant sauvage's next exhibition with a series titled 'Chrysalide'. A very intimate collection of images treating the acceptance of the body, of self and revealing a difficult episode in the life of the young artist.
"It was a morning in a month that I dont remember. I was talking to friends on the school grounds and all of a sudden, looking over my shoulder, I caught the gaze of a boy. In a fraction of a second, his looking at me changed my life. For years following this event I became very introvert. I was afraid to talk about my feelings in fear of being judged. I was afraid of having fallen in love with that boy. Yes, I was afraid and yes, I know it's stupid. I never saw him again apart from one or two fleeting instances. From that illustrious day on, his face was engraved in my memory. I was, like a horse, branded.
This series of images evoke a painful part of my life."
Etienne Panier lives and works in Brussels. He has been working the linoleum frenetically for ten years now. His style is marked by comic art. Inspired by Japanese printmaking he sources his inspiration in asian folklore and creates scènes populated by monsters in a joyful and mysterious atmosphere. He creates a universe dominated by black and white. In 2019 Panier realizes his first solo exhibition at Calaveras gallery wherein he presents the Mostrorum Catalogo, a funny compendium of a hundred monsters whose faces and the maxims that accompany them aim to create laughter or at least draw a smile from the spectator.
A professional graphic artist, illustrator, engraver and photographer, Mathieu Van Assche lives and works in Brussels. A creative millipede, curious by nature and slave to the image, he sources his inspiration from the effervescence of popular neighborhoods, sacred imagery, use of the mask in pagan traditions and comic art.
Naturally and (un)consciously he takes a devilish pleasure in creating confusion by mixing styles, references and various techniques, finally creating a very personal universe. He blows life into a dented world, populated by monsters, fantastic beasts, sometimes soft and funny, sometimes unsettling and scary.
Noemie Béchu is an multidisciplinary artists based in Brussels. Passioned by the art of printing she opened up her artisanal screen printing atelier in Saint Gilles in 2017. This creative space is destined for experimentation and research enables her to invite and help other creatives to realize their projects. She finds her inspiration in the organic and natural world, femininity and bloom and human relationships. Her drawings, illustrations, poster art, jewelry, textiles and other creations address different subjects, always marked by a positif and generous spirit.
YOUNG TALENT : Emilie Maricq, Abi Coeffier & Bastien Communi
Abi Coeffier : "Freshman student in photography at ESA 75, photography has always played an important role in my life. As a kid I always carried around a disposable camera during vacations and at about 16 years old I got my first digital reflex camera. From that point on I started collecting cameras and my interest steered towards analogue photography. During the confinement I started to make self portraits with this technique. Being alone in my apartment, for the most part cut off from the outside world, I decided to deconstruct the body using objects surrounding me in daily life. Thus I created still lifes using the sunlight entering through my windows"
Emilie Maricq : Belgian student in her third year visual communication and graphic arts at ENSAV La Cambre, photography is my preferred medium for self expression. I've been using analogue technique for a number of years now but only recently I've started to create my own universe. During this peculiar time of confinement, sitting and waiting are our main activities, we are stuck in a decor, becoming part of it. The creation of images has become my escape, the decor changes and tells stories."
Bastien Communi : "My interest in photography started quite young. This medium has accompanied me for many years and continues to evolve in my eyes. Photography, for me, is a way of existing and of existing in the wanted world. It is also a powerful means of expression and communication. I consider my photographic work as a sensitive collection through which oneirism wanders from image to image. "
14.01.21 > 13.03.21
1010 HARDENNES
1010 is a joint photographic project, a performance shared between 10 photographers who have taken on the challenge of each providing 10 images of a locality. For this third opus, the choice fell on the Belgian Ardennes. In the end, these 100 photographs try to offer an image of this place, a subjective view, 10 free looks that only form one. Photographs by: Marie Sordat, Sarah Lowie, Christopher de Béthune Tombouctou Manu, Max Lemmens, Renée Lorie, Pauline Caplet, Thomas Marchal, Mathieu Van Assche, Simon Vansteenwinckel.
+ YOUNG TALENT: Tom Lyon & Pauline Vanden Neste
“We came here for the view”
In 2019, work on the CityDocks project led by Atenor began, in the immediate vicinity of the Biestebroeck basin in the south of Anderlecht. Opposite, on the other side of the Brussels canal, the Aurore district, a succession of 7 buildings built in the 1960s, is witnessing the real estate upheavals that will transform the surroundings. 200 housing units should be built in order to revitalize this former industrial zone in decline, a transformation strategy that fits more broadly into the Canal Plan. The canal area is one of the biggest urban planning challenges for the Brussels of tomorrow, which is trying to respond to the “demographic boom” to come. These private projects are not unanimous, however, given the lack of social housing and the gradual disappearance of industrial activities in Biestebroeck. One thing is certain: the Aurore district will also have to change radically in the coming years. In the meantime, the daily takes its course. Several waves of immigration have over time made the place heterogeneous. Above all, we meet special lives, suspended moments, solitudes, a certain beauty. Tom Lyon & Pauline Vanden Neste
March 18 > April 26
Interview Lokal Fototek Foundation par Fruit Radio
The Lokal Fototek Foundation
Vincen Beeckman & Kasper Demeulemeester
On the occasion of the exhibition at L’Enfant Sauvage, The Lokal Fototek Foundation will publish two publications based on two collections from Brussels archives - the Frimousse space catalog and the personal albums of the Cocozza family. They invited artists Kenneth Mottar and Nick Defour to intervene on these series of images and produce a publication.
The Lokal Fototek Foundation has composed a list of nine rules to be followed, which form a dogma for the manufacture of the publications :
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The artist will work with images printed on smooth or tan tactile paper.
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The Lokal Fototek Foundation team will print the photos, undistorted and in orginal format.
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It is not requiered for the publication to be specifically readable or follow an understandable narrative. She will live her life or another life.
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The photographic image will not be considered as an item of value. It will therefore not be divine but it will be allowed to show it sweetness and love.
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The format of the edition will be different each time and / or will be produced in a variety of different materials.
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The budget for each edition will be set at € 1,000, including the artist's sub, taking into account the index or middle finger.
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The artist will receive a watch and will have a maximum of one month to submit a proposal.
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The publication will be free of any trademark or tattoo. A chocolate pouch will envelop the publication and indicate its origin.
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Archives and authors must never have been to a restaurant together
"The Lokal Fototek Foundation" is a project launched by two Brussels artists Kasper Demeulemeester and Vincen Beeckman, alias Franky and Johnny Heyvaert. THE LOKAL FOTOTEK FOUNDATION is a project dedicated to local photography, in all its forms. The Foundation is a physical space in the Heyvaert District, in Brussels, and radiates from there to the rest of the city and beyond. It is a place where photographic collaborations with the people of the neighborhood can emerge, from new images (which can be made in the Fototek itself, in people's homes, or in the street) or by collecting their old photographs, by archiving and reproducing them. Fototek actively collects and archives these images and opens its collection to the public. In addition to this, you need to know more about it. The Lokal Fototek Foundation does not want to keep but to share. Regularly, exhibitions take place, publications are also edited to present the growing collection to the public. THE LFF is a totally free project, the only richness it envisages is the iconographic richness hidden under the surface of Brussels. Everyone is absolutely invited to cooperate with the Foundation, anything is possible if it corresponds to the principles of the Foundation. The Lokal Fototek Foundation has an office in Circularium, on the Bergensesteenweg in Anderlecht, but you will rarely see Franky or Johnny in the office, their working grounds are the streets of the neighborhood, where they write everything they see, where they build car memorials, where they stick photographs of miniature cars on doors and walls. Maybe you will see them working with plasticine, maybe you will find them at the tavern Le Cadre sprl drinking pure ginger juice, walking through the streets of Liverpool and Heyvaert. The LLF also organizes meals where the guests discuss their photographs. These so-called “Dinner with Franky and Johnny” give rise to the creation of posters which take excerpts from the guests' reflections and spread their reflections in the neighborhood and beyond. All the publications of the LLF could unite under the name of Manifeste de la Photographie. The first edition, Manifeste de la Photographie Dînatoire, was written by Sandra de Viviès, based on the words spoken by the guests of the first Dinner with Franky and Johnny.
06 Mai > 17 Juillet 2021
Vernissage Jeudi 06 Mai 17h > 21h
Half Light
«Half Light» est le fruit de rencontres à cœur ouvert entre Loïc et les personnes avec lesquelles il se rapporte dans sa «vraie» vie. Il n'y a pas de prétention d'artiste. Ni aucun besoin voyeuriste de représenter des gens hors de leur univers. Sa photographie est authentique, directe, simple. Pas de gadgets.
«Ces photographies ont été prises à Paris pendant une période de deuil. Je sentais que je devais regarder les gens face à moi. Sans masque social. Les premières images ont souvent été prises au pied d’un mur. Puis des liens simples se sont créés, aboutissant pour certains à des prises de vue dans leurs appartements. J'ai voulu saisir l’intime : les marques, les cicatrices, les ventres, les dos, les moments d'absence, les lignes fixes. Ce qui fait leur identité et leur courage à tenir debout." - Loïc Seguin
La façon dont Seguin dévoile les gens de Belleville et de la Place des Fêtes est unique. Cela n'aurait pu être fait que par un initié. C'est sa force: simplicité et simplicité. Les portraits sans prétention déclenchent notre curiosité - Qui sont ces gens? D'où viennent-ils? Comment ont-ils laissé le photographe approcher d'aussi près? C'est intime? L'obsession. La pratique rigoureuse et constante. La haute qualité stable de ses images, malgré la quantité élevée.
Ce sont les références que Seguin présente sur son premier livre, qui est publié par Void.
Young Talent
Antoine Grenez
RÉSISTANCE HEUREUSE
"Résistance heureuse prend racine dans une volonté de faire reconnaître la club culture comme le point de convergence, le point de symbiose de nos aspirations socio-culturelles. Cette expérience hors code génère de nouvelles perspectives d’effervescence social pouvant devenir la source d’une nouvelle créativité collective. Nous avons beaucoup à apprendre de la désorganisation. C’est une culture qui permet à la collectivité de prendre le pas sur une individualisation toujours grandissante, notamment grâce à ses valeurs inclusives. Tout le monde est amené à participer à cet engagement sensuel pour créer des moments de libertés hors du temps.
Après avoir réalisé l’importance du pouvoir cognitif de la connexion émotionnel d’une foule, mon intérêt pour mon propre travail est tombé à zéro, mon monde sensible était désorienté car je n’avais jamais vécu quelque chose d’aussi puissant. Je n’ai pas touché mon appareil photo pendant les quatre mois qui ont suivi. Il faut comprendre que cette expérience ne peut se transmettre visuellement, elle doit être vécue et cela à fait naître une énorme frustration créative dans ma pratique personnelle.
Peu de temps après, j’ai commencé à organiser des soirées avec mon collectif CHANOIRS. C’était très instinctifs, c’est seulement maintenant, avec la prise de recul, qu’il m’apparait clair que ces deux événements sont liés, une volonté de sortir du médium artistique pour proposer des expériences vivantes et alternatives. Réconcilier l’art avec l’existence à travers la collectivité.
Après avoir renouer avec mon appareil photo, j’ai commencé à photographier avec pour objectif de collecter ces célébrations.
L’archivage de tous ces moments dressent la force vivante du souvenir et du passé, observer de manière tangible la route déjà parcourue, être porteur de notre propre mémoire, rendant supportable le défilement des années et suggérant que le vrai noyau de l’existence se trouve dans notre capacité a tailler un chemin qui nous est propre entouré des gens que l’on aime.
Résistance heureuse est un remerciement à toutes ces rencontres d’une soirée, toutes ces discussions enivrées, tous ces personnages surréalistes qui m’entourent au jour le jour, merci à tous les acteurs de la scène bruxelloise qui œuvrent à rendre notre nuit si dynamique, on se retrouvera tous bientôt." Antoine Grenez
09 Septembre > 30 Octobre
Vernissage jeudi 09 septembre - 18:30
Renée Lorie
Skipper, can I cross the river?
An island is an island is an island with its forest, seashore, fishing lines and broken glass found on the shore. A phantom venue, the extended dream. How small can an island be before we stop counting it an island? Do we still exist? Without this land, who are we?
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Renée (° 1989) lives and works in Brussels. She captures a world full of contrasts. Her images show disharmony, memories in nowadays. Emptiness and fullness, day and night, white against deep black backgrounds. Coolness and heat, burning ice. The present and the absent. She’s looking for attachment, but captures displacement too. Themes are the uncanny, abjection, the enigmatic, isolation vs connectedness. Fictional worlds to overthink reality, vulnerability and resilience. Creaking discomfort in down, a sensory touch in a flat image. A glimpse, an error, disturbance, the lyrical. Distance, yet close framing. She uses the dark room, groping for light. Light traversing trees and water, that lives on the tide during spring. Everything is strange, yet daily and known. Trees, water, horse and dew, rustle, a man in a suit, sand mountains and a statue.
Dinaya Waeyaert
Come Closer
Come Closer is about my love for a woman, her name is Paola.
We fell in love four years ago. Ever since, I have felt the urge to photograph her every day. As part of this series you will find mostly color and black-and-white 35mm pictures accompanied by polaroids, notes and contact sheets, but it also features videos.
The work feels like an intimate conversation between her and me. I am an observer trying to grasp every playful moment, every moment of connection. Seeing someone so versatile and constantly changing, I tend to overload her with my presence. And then there is she, my subject, someone who feels more like a muse to me. Loving me like no one ever did.
In Come Closer you get to see the love between two women from up close.
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I am a Belgian artist based in Brussels. After finishing my education at School of Arts Ghent in 2018, I self-published my first book Personal Collection.
Ever since I started photographing I focused on people who were closest to me. The ones that I’ve known for a long time or the ones that I feel drawn to. When we grow older our relationships with the people around us evolve. Somehow I feel the need to hold on to this by making images. Already now when I look back at all the pictures I’ve taken, it feels like a family album where everyone, even myself, changes every day.
I take a lot of pictures. Every series I’ve made is built around a great deal of images. This is a certain obsessive way of working I have always loved.
Joselito Verschaeve
‘If I Call Stones Blue It Is Because Blue Is The Precise Word’
‘If I Call Stones Blue It Is Because Blue Is The Precise Word’ puts an order to Joselito’s work that is placed between day-to-day encounters and fiction.
His work is based on building a setting for a narrative to grow, giving you a few pillars in literature, dystopia, and world-building.
The sequence isn’t here to hold your hand, rather to loosen and tighten grip on different moments, leaving you space to gather fragments of a story.
As he pulls out images of their original context the reader is allowed to do the same, with an overarching theme that keeps writer and reader in the same world.
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Joselito Verschaeve (*1996) is an artist living and working in Ghent, Belgium.
With a practice focused on the photographic medium, often having the photobook as a point of interest. Working in themes of dystopia, world-building, and literature.
05 Novembre > 21 Décembre
Vernissage jeudi 04 Novembre - 18:30
PROLONGATION le 7, 8, 9, 10, 11 et 12 Janvier
21 Janvier > 20 Février 2022
Vernissage jeudi 20 Janvier - 18:30
Finissage samedi 19 février - 18h30
tant de poussière, et moi si sourd
« Tant de poussière, et moi si sourd » est une épopée murie dans le silence d’un quotidien ou les mots se donnent à méditer. Si la maladie est un exil de soi, être bipolaire est un naufrage ou chaque jour soulève un deuil sur la beauté du monde. Ce n’est pas un ouvrage de médecine, les médicaments suffisent déjà, c’est un livre ou la mélancolie se décline le corps dans la mélasse, frêle, de toutes teintes et coloris.
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"Auteur de quatre ouvrages auto-édités, Antonio Jiménez Saiz invite la lumière dans les ténèbres de sa vie intérieure. Qu’il aborde la mort en sursis ou la mort de l’esprit, le photographe bruxellois se cherche dans l’autre et dans la nature intimement mystérieuse avec une sensibilité granuleuse et fragile, tantôt mystique, tantôt ludique." Sophie Soukias
Prudents comme les serpents
CHAOS, KHAOS, ABÎME
Confusion générale des éléments de la matière,
avant la formation du Monde.
Ensemble de choses sens dessus dessous, et
donnant l'image de la destruction, de la ruine,
du désordre.
Du chaos naît la lumière.
Prudents comme les serpents se présente tel un hommage aux (trans)mutations,
celles des âges de la vie et du temps flou qui les entoure.
Par une transition du chaos vers l'apaisement, cette série vient ancrer une fin de cycle.
Une révolution complète.
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"Photographe à la pratique aussi quotidienne que nécessaire, Stéphanie Petitjean archive ses souvenirs depuis une dizaine d'années en un empilement de pellicules resté muet jusqu'ici.
L'exposition "Prudents comme les serpents" (bientôt accompagné d'un livre éponyme à paraître aux éditions "Yellow Now") donne la parole à ce travail de l'ombre.
Après avoir tourné sept fois la langue dans sa bouche, on ose parfois faire face à son propre silence." R.dH.
24 Février > 05 Mars 2022
Vernissage jeudi 24 Février - 18:30
Le souffle court (et les larmes se taisent)
C'est à la suite d'un pneumothorax déclenché par un choc émotionnel que Quentin Yvelin se met à photographier des individus, leurs corps, tensions et relâchements, cherchant un souffle parfois difficile, un souffle qui se veut soit résistance ou bien abandon.
Inspiré par la nature et le mysticisme, Quentin Yvelin réalise des ensembles photographiques délicats, dans lesquels la magie se mêle à la beauté de l’imperfection. Guidé par une certaine fascination pour le mystique, la nature et les savoirs cachés, il façonne des « constellations photographiques» à la poésie troublante. Au coeur de ses clichés, le grain domine, et les imperfections cassent le noir du ciel. Elles apportent une lumière inattendue aux ténèbres dans lesquelles fleurissent ses créations.
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Quentin Yvelin
(1988) vit et travaille à Silfiac.
Le travail artistique de Quentin Yvelin se situe à la frontière d’une écriture documentaire subjective et d’une approche symbolique,
s’articulant autour de questions liées à l’autobiographie, la fiction, l’étrange et la marginalité. Il y a dans ses images une tension entre la mélancolie et le désir, entre le fragile et le brutal.
Géographie Sauvage
Géographie Sauvage est une compilation d’images que je prends depuis une quinzaine d’années. Cette série est surtout composée d’autoportraits, de paysages et de travaux expérimentaux (travail de l’émulsion Polaroid avec des techniques de dessin, collage et peinture, du cyanotype, etc.).
J’y traite avant tout de mon propre rapport au monde, de la recherche de mon identité en tant que femme, de la notion de tabou face aux fluides féminins, et à l’avortement. J’y vois aussi les ombres et les lumières qui m’habitent. Je ne sais pas encore comment cette série va évoluer mais j’ai la sensation qu’elle est une autobiographie qui ne se terminera jamais.
(Extrait de Joachim Delestrade pour Fisheye Magazine)
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Mélanie Patris *1977, vit et travaille à Bruxelles. Mélanie développe une vision de la nature et de la féminité associée au rêve. Inspirée par les notions de temps et d'espace, elle explore les relations entre les gens et le monde sauvage - des relations qui influencent et façonnent notre identité.
(Joachim Delestrade, Fisheye Magazine)
La montagne est si grande qu'elle pourrait m'avaler
Enfant, autrefois, il y a très longtemps, nous menions une existence naturelle.
Enfant, nous adorions la moindre pierre comme un frère, un inconnu, un mystère sacré.
Nous sommes deux, c’est une base, nous pouvons mélanger nos pieds nus, nos mains, nos bouches. Nous sommes seuls ensemble, il nous faut inventer des rites, nous ouvrir à la vulnérabilité, à l’audace, aux possibilités de déplacements intimes.
On appelle cela une tentative de délivrance, un accueil du Grand Esprit, une naissance à la vérité intérieure, dans la douleur, l’égarement, et la joie. Fabien Ribery
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Pauline (1993) vit et travaille à Bruxelles. Elle capture le monde avec une vision énigmatique. Ses images sont en perpétuel mouvement, mystérieuses, vulnérables et imparfaites. Elle cherche à nous emmener dans un univers où réel et irréel sont intimement mêlés.
10 Mars > 16 Avril 2022
Vernissage 10 Mars - 18:30
21 Avril > 21 Mai 2022
Vernissage 21 Avril - 18:30
Inventaire Déraisonné
L’Inventaire Déraisonné est un travail d’archivage visuel. L’exercice part d’une contrainte. Les images ici juxtaposées dans une forme d’écriture automatique, sont exclusivement issues de livres trouvés puis découpés, l’artiste élaborant ainsi 420 pages constituées de 2427 photographies. Détails anatomiques, sculptures antiques, architectures industrielles…
Ces clichés proviennent en majeur partie d’encyclopédies, de dictionnaires, d’autant d’ouvrages devenus désuets à l’heure où le savoir semble accessible de n’importe quel écran. Les ouvrages sont scarifiés faisant écho à l’érosion des corps malades, des statues érodées par le temps, des paysages métamorphosés par l’homme. Déconstruire pour interroger, déconstruire pour y voir différemment, comme acte intuitif de résistance au chaos.
Ces images constituent un arrière-pays, une cartographie de représentations archivées par l’esprit. Un passé civilisationnel. Une velléité universaliste fondée sur le savoir. L’Inventaire crée un anti-langage, fuit toute forme de raison par le geste automatique pour finalement, recule faisant, développer le sien. Les planches suggèrent d’autres associations entre des mondes unifiés par l’absence de couleurs restitués par le procédé d’impression.
Ce réseau, en dialogue permanent, ruisselle de liens cognitifs échappant à toute pensée analytique. En associant des notions dissonantes, l’Inventaire déraisonné crée des alternatives, des brèches imaginaires.
Ce ne sont pas de simples motifs fixes répertoriés, mais bien des passages que Thibault Tourmente développe à la jonction de chaque frontière.
Le langage sort du sens pour tendre vers une poésie du regard.
Comme une sorte de respiration
Avec la série Comme une sorte de respiration, Toinette Chaudron détourne à sa manière le reflet d’une société bouleversée, marquée par une année d’impuissance, respirant par petites goulées, sa dose d’air quotidienne.
De ses personnages oniriques et provocateurs, s’échappe un souffle tantôt coupé, altéré ou étouffé.
Par fragments, des mots surgissent au travers du métal griffé, comme une arme.
Une nécessité intérieure s’impose, une pulsion primitive émaillée de quelques soupirs porteurs de sérénité.
Primitiv Acid
Thomas Gosset est un artiste autodidacte de 39 ans né à Bordeaux.
Initialement inspiré par «Les Récréations photographiques» de la fin du 19ème siècle et les Avant-gardes du 20ème siècle, il les ré-interpréte un siècle plus tard pour offrir une photographie contemporaine surréaliste et subversive.
Insubordonné à son propre medium, il concentre ses recherches expérimentales sur le sens profond de l’image et sur sa genèse en chambre noire. Ainsi, c’est au cœur même de la matière photosensible qu’il puise une esthétique singulière en détournant le processus argentique de ses applications classiques.
Ses personnages portent les cicatrices irréversibles qu’il inflige à ses négatifs par de multiples manipulations proche de la peinture et de la gravure.
Il en résulte une photographie picturale et chaotique empreinte d’une beauté tragique dans laquelle des personnages contemporains côtoient des figures mythologiques.
02 Juin > 16 Juillet 2022
Vernissage 02 Juin - 18:30
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Matthieu Marre - Seules les pierres sont innocentes
"Je regarde en photographiant avec mes mains.
La pensée n’est d’aucun secours.
Il faut oublier les yeux.
L’horizon du langage est insuffisant pour mettre à nu l’étrange écheveau de nos vies. Le mot et la chose se confondent. J’espère dans la photographie l’accession à autre chose. Un accident porteur, à la prise de vue comme au développement ou au tirage. Comme une fêlure qui n’ait plus de nom mais dont on garde la trace et qui dise. Le projet est toujours le même : celui d’une improbable élucidation. « Chacun de nous ne parle qu’une seule phrase, que seule la mort peut interrompre » (Barthes cite un confrère).
Alors je cherche les termes de cette phrase dans les images que mon appareil produit. C’est la recherche d’un récit mythologique si le mythe était une vérité dernière berçant notre existence, son ultime récit.
Cette exposition est une compilation de tirages étalés en damier d’une part, et une proposition diapositive immersive d’autre part.
L’intérêt du damier est de donner une lecture horizontale et verticale liant les photographies les unes aux autres. Si j’espère toujours la dernière image, celle qui dise tout ce que son intention porte à l’égard d’un improbable réel soudain mystérieusement dévoilé pour ce qu’il est, celle-ci n’arrive jamais. Dans cette manière perspective, chaque image ne vaut qu’en regard des autres dans l’enrichissement d’un récit éternellement ouvert.
La proposition immersive est une autre appréhension esthétique et affective. C’est un récit guidé par les méandres qui surgissent au moment de l’installation. On est plongé dans une image lumineuse. Le propos tout en demeurant évanescent fixe quelque chose venu d’ailleurs."
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Matthieu Marre est un photographe français établi à Bruxelles. Il a suivi un cursus universitaire en anthropologie. Il photographie depuis vingt ans.
Marie Sordat
NADA
« Sous ses ciels confus de lendemains de fin du monde, voici l’univers viscéralement vicié, divisé et le plus souvent sombre que Marie Sordat nous donne à voir au fil des images. Un monde qui rayonne du désir d’un pays de merveilles que l’on n’aurait jamais connu, et dont le souvenir désabusé serait scellé de l’autre côté d’on ne sait trop quel miroir de mélancolie. »
David Mertens
Constitué de photographies argentiques en noir et blanc, NADA est une déambulation mentale, un voyage à travers un monde à la fois ancré et onirique. Entre street-photography et intériorité, le paysage qui se dessine est avant tout une exploration du genre humain ; des Etats-Unis au Cambodge, NADA est traversé de personnages récurrents et pourtant rencontrés au hasard, qui ont tous pour point commun de ne jamais arriver à se rencontrer, à se regarder. Evoluant dans un monde granuleux, tous semblent chercher leur voie à travers des décors urbains puis de plus en plus naturels, comme s’ils y poursuivaient une forme de rédemption. Aux antipodes de l’exotisme, la photographe crée ainsi un espace tantôt isolé, tantôt agité et tourné vers l’extérieur, oscillant en permanence entre réalisme et poésie.
Sarah Joveneau
Piel de lucha
'' Ces images mettent en lumière la peau des manifestations féministes chiliennes de Valparaiso et Santiago, d’automne 2018. J’ai voulu photographier ces corps qui reprennent leur autonomie dans les rues, réincarnés par le vivant tels des territoires de résistance depuis lesquels lutter. Rendre visible ces bouts de peau comme des paysages qui se réveillent, s’animent, dansent, chantent et crient dans le clair-obscur de la désobéissance civile cognant sous les lampadaires. Mémoriser ces visages, des fragments de leur histoire, cette parole qui se libère, cette intimité qui se dénude et se dénoue, mais surtout l’audace de cette époque volcanique et la résilience de ses protagonistes. ''
Sarah Joveneau
16 Septembre > 30 Octobre 2022
Vernissage 15 Septembre - 18:30
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11 Novembre > 18 Décembre 2022
Vernissage 10 Novembre - 18:30
David Siodos
À l'ombre des vivants
"Naturellement attiré par la ville et sa banlieue, mon œil s'est volontiers tourné vers l'humain. Particulièrement consumé par la détresse des invisibles des rues, mon travail s'applique à retranscrire le monde des ombres sous le prisme du merveilleux.
" Ma vie est un rêve qui ne finit jamais... "
Ce sont les mots de Pierre, un SDF toulousain. Sa grâce semblait illuminer la rue, pourtant plongée dans l'obscurité. Le repaire, dans lequel il squattait depuis une éternité, trahissait son charisme si particulier. Une vie sans impératif, sans artifice, seulement guidé par ses instincts, et son ombre...
Les vivants se bousculent... Ce matin encore, la rue est le théâtre de ce ballet absurde. Leurs langages corporels semblent démontrer qu'une fois encore, leurs retards est inéluctable. Prisonniers de leur emploi du temps, et contraints d'appréhender la vie sous pression, les passants chavirent. Tous, ont l'illusion d'avoir une prise sur leur vie. Peu en profite vraiment. Les gisants, eux, ne simulent plus. Certains s'enchantent même de cette décadence. Ce monde qui s'agite, les renvoie à leurs désillusions. Ces hommes et ces femmes qui se tiennent hors du temps, ne sont-ils pas davantage en contact avec la réalité ? Ce sont ces interrogations qui, je crois, motivent mes excursions.
A travers la série « A l'ombre des vivants » je me suis attaché à suivre des individus qui errent, travaillent ou habitent à la périphérie de la vie... Au point de ne plus savoir moi-même si je suis vivant… Ou simplement une ombre." D.S
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Né à Troyes en 1978, je vis et travaille à Toulouse depuis douze ans. Je pratique la photographie de façon autodidacte et indépendante. Je parcours la rue à la recherche d’une scène de vie, d’une émotion unique. L’idée étant de dresser un constat personnel sur l’évolution de la société. La rue étant le parfait terrain de jeu pour cela.
Elie Monferier
SACRE
Avec Sacre, Elie Monferier poursuit son travail sur l’archétypal et l’originel. Ici, il se concentre sur la corruption des corps et le passage du temps, et sur la grandeur qu’il y a dans la fragilité de nos existences. Il nous livre un monde où prédominent l’énergie vitale et la résilience, le dépouillement et la sévérité des éléments, la solitude et la fraternité des individus face à la mort.
« C’est un monde dont les frontières ont la densité du brouillard. Un monde de doutes et d’instincts où tout s’unit viscéralement à la terre - les gestes simples, les cheveux de paille, les corps comme des souches noueuses, les bêtes à nourrir au petit matin, l’écho des chiens qui aboient quand l’étranger s’approche, les vastes plaines battues par la pluie. Tout y est question de rapports de force, de la violence qui marie les êtres, et de forces plus grandes, plus vives, plus mystérieuses, où se mêlent l’odeur des charognes et des nourrissons, le bruit des feux de paille et des éclairs de chaleur, le pressentiment de l’orage à venir. »
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Elie Monferier est un artiste visuel, designer de livre et photographe français né en 1988. Membre du collectif LesAssociés, il privilégie une approche photographique immersive fondée sur le doute, l’instabilité et l’intensité, et situe son travail à la jonction entre documentaire et lyrisme. Concepteur de livres de photographie, il collabore régulièrement avec différents éditeurs et photographes sur la direction artistique et réalise également des livres d’artiste reliés à la main.
Son premier livre, Sang Noir, livre d’artiste relié à la main, a été élu « Meilleur livre de photographie de l’année 2020 » à PHotoESPAÑA dans la catégorie auto-édité. Il a dernièrement été exposé à la Villa Pérochon, à la galerie Sage Paris, aux promenades photographiques de Vendôme et au Festival Circulation(s) dédié à la jeune photographie européenne.
ILIAS GEORGIADIS
Forecast
“A few years ago, I read a story about some swallows.
One day, residents of various cities by waking up in the morning, they found outside their
windows hundreds of swallows immobilized, waiting. Staring into nowhere, with their eyes
wide open.
Crowded in every recess, on the balconies of buildings, in windows, in air ducts, even sitting
on the road. In complete immobility and barely protected in their temporary shelters, they
waited. And the story went on to explain the phenomenon.[...]”
“Forecast” is the new body of work that Ilias has been developing for the last five years. It
starts by following the journey of some swallows traveling from the earth’s south to the north
and slowly it morphs into a photographic corpus of poetry. A journey that is trying to find and
capture an inner peace, a unique and universal cosmic balance of the inner self, driven and
surrounded by the forces and the beauty of nature. A photographic narration that highlights
the minimal, the abstract and the lyrical that give meaning to our existence and human
nature.
“Forecast'' is a corpus which includes hundreds of pictures that challenge and exceed linear
photographic narratives by creating transformational elliptic patterns of meaning and
story-telling that almost never end. A concept heavily inspired by fugues in music and by the
earth’s movement in space and the change of seasons.
This work is also accompanied by an original music score - composition written by and
performed by Greek composer and pianist Daphne Kotsiani which is then elliptically remixed
by various Greek composers and music artists.
“Forecast” is going to be published as a photobook by the end of 2022.
This is the first exhibition of the work.
Silvano Magnone
SACRO SILENZIO
For the ongoing project SACRO SILENZIO, Silvano Magnone spent the last two years exploring his favourite belgian and italian forests.
As a tribute to the powerful and calming energy of the woods, the images for SACRO SILENZIO
are taken using the slow, ancient technique of Wetplate Collodion.
Wetplate collodion - a photography process dating back to 1850 - is an extremely complex and
entirely hand made photographic technique that requires all the steps to be made on the spot, from the preparation of the chemistry to the final development of the image in a darkroom.
For this project He had to adapt the entire creation process to the new challenges of photographing in the wild, using a wooden large format camera and antique brass lenses and building a portable darkroom and a trailer to carry around all the equipment with a bicycle in order to reach the otherwise inaccessible locations in the woods.
Wet plate Collodion is an organic process and very unpredictable; above all it requires an important dose of humbleness. Manipulating his home-made chemistry in the open air, the photographer abandon a position of total control and the uncertainty of the whole process allows him to step into a world in which every accident is possible and every unwanted reaction might bring him to see things under perspectives that he would have never imagined.
For l'Enfant Sauvage Silvano Magnone created an installation called Shinrin-Yoku, a contemplative
journey into one of his creations from Sacro Silenzio.
Entering a silent minimalistic space, the viewer is invited to plunge into a meditative space, to take
time, explore and surrender to the majestic and powerful energy of the forest.
28 Janvier > 12 Mars 2023
Vernissage 27 Janvier - 18:30
Joseph Charroy & Florence Cats
"drop-out"
« L’important demeure de toujours m’efforcer de repousser les limites, les miennes, et celles du medium. » Ursula K. Le Guin (Le langage de la nuit)
L’expression anglaise drop-out signifie abandonner, laisser tomber, se retirer.
On l’utilise aussi pour désigner un marginal, un déclassé.
Conçue pour l’Enfant Sauvage, rue de l’enseignement, l’exposition drop-out est une invitation à s’écarter, à prendre la fuite.
Cette installation collaborative est pensée comme une expérience de l’espace, du temps et de la lumière. Car la photographie n’est pas qu’une image, c’est une expérience.
Pour cette création in situ Florence a travaillé avec de vieux letraset d’architectes, plusieurs sources de sons imperceptibles, un bug vidéo, des presque riens, s’inspirant des codes couleurs (cmjn, rvb) et prenant le pouls du silence. Joseph utilise la photographie comme un carnet de notes, variant les appareils et les pellicules, les papiers et les types d’impression.
À travers des pratiques autodidactes, l’installation propose une lecture à la fois vibrante et ambigüe du réel. Celui qu’on perçoit et celui qu’on ne perçoit pas. Celui qu’on invente et donc celui qu’on crée.
Joseph Charroy, photographe, graphiste et éditeur, et Florence Cats, artiste et acupunctrice, vivent ensemble à Bruxelles et collaborent souvent, comme pour le livre Lavori in corso, auto-édité suite à une résidence à l’Académie belge de Rome. Joseph a fondé les éditions primitive et le label de cassettes frissons. Le travail de Florence se situe sur une ligne de fuite de son, signe, mot, couleur et lumière - théréministe expérimentale, elle vient de sortir l’album Ys sur le label anversois edições CN. (leurs différentes éditions sont disponibles au bookshop de l’Enfant Sauvage)
Florence Cats et Joseph Charroy forment un couple d’artistes qui nourrissent leur travail de la marche et des accidents du hasard. Les photos, dessins et objets trouvés qu’ils exposent et publient sont comme une archéologie des petits riens. Leur travail est un éloge de la modestie et de la fragilité.
Gilles Béchet ( Bruzz, 03/3/2021 )
24 Mars > 02 Avril 2023
Vernissage 23 Mars - 18:30
thomas jean henri
"RIEN NE CHANGE A PART PEUT-ÊTRE LE TEMPS"
J’ai toujours pensé que l’on passait plus de temps à construire un amour qu’à le défaire.
Du dimanche 9 janvier 2022 au lundi 9 janvier 2023, j’ai mené un rituel photographique en me rendant tous les jours à la place Poelaert à Bruxelles, à 3,8 km de chez moi, pour y photographier le ciel avec mon appareil argentique moyen format. Celui que l’on tient près du coeur.
nous vivons tous les mêmes journées mais en gardons nous les mêmes souvenirs?
je vous propose d’échanger un souvenir contre une photo.
un souvenir d’une journée entre le dimanche 9 janvier 2022 et le lundi 9 janvier 2023.
au milieu de cette pièce
au centre de ces 365 photos
il y aura une table
des feuilles de la grandeur d’une photo
de quoi écrire.
c’est un échange,
vous emportez une de mes photos,
et moi un souvenir qui ne m’appartient pas.
mon travail photographique a la même valeur que votre souvenir.
une fois chez vous, mon image prise ce jour là s’effacera face à la beauté, la joie, la force ou la tristesse de votre souvenir de ce même jour précis.
Cette photo n’appartiendra qu’à vous.
Enfin,
cette photo,
comme tout souvenir,
n’aura pas de prix.
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thomas jean henri est un artiste bruxellois né en 1972.
en 2015 il crée le projet cabane avec l’envie de mêler musique et photo.
21 Avril > 14 Mai 2023
Vernissage 20 Avril - 18:30
20 Mai > 16 Juillet 2023
Vernissage vendredi 19 Mai - 18:30
Aleksei Kazantsev
RELAXING CHAMBER
with sound by Piotr Tolmachov
Relaxing Chamber is a continuously developing series of photographs that
revolves around one common theme: the idea of consciousness in humans and animals.
The images are motifs of human faces and animal forms, often not immediately recognisable.
There are claws and tentacles, thrusting out, stiffened, at rest. And there are people, surrounded by
a black void, some seemingly asleep, some in an ecstatic trance, others in contemplation.
The project circles around the human psyche and concerns the archetypal symbolism of animals in
collective unconscious memory, altered states of consciousness in trance and hypnosis, and related phenomena such as feelings of euphoria, isolation and dissociation in everyday life.
'Relaxing Chamber' (entomological term) is a container which has a very high humidity.
When insects are dead long before pinning, rigor mortis develops, often resulting in body distortion.
In such cases, a “relaxing chamber” is used to make them flexible.
Aleksei Kazantsev (Slutsk, Belarus, 1975) is a visual artist working in the medium of photography. Lives and works in Antwerp, Belgium. He studied photography at the Royal Academy of Fine Arts Antwerp. His work intuitively and narratively stems from the visual heritage of archetypal images, as well as our collective unconscious memory, symbolism, hypnotic states, trance, liminal states of mind. The artist looks for a twist in reality. Using altered perspectives and distorted vision, he moves you to feel disorientation and to recognize the uncanny.
Exhibited in various galleries across Europe: Belgium (Pulsar, LWM18, National 55, Archiraar Gallery, Liège Photobook Festival, L'image sans nom, PAK-Gistel, Psychiatric Center Sint-Amandus); UK (pic.london festival, The Minories Galleries); Poland (Arsenal Gallery, Fundacia Villa Sokrates, Gray Mandorla Studio).
La photographie du portefeuille - Anne Delrez
La Conserverie - un lieu d'archives (Metz, France)
"La photographie du portefeuille" est le résultat d'une collecte photographique réalisée par Anne Delrez à la Conserverie, un lieu d'archives (Metz) en 2013.
« Elle a la forme des fesses un peu charnues, les coins émoussés, des bouts de tabac parfois collés en son centre, de grosses rayures, une odeur particulière, des annotations devenues illisibles, des kilomètres de marche et de voyages. C’est la photographie du portefeuille.
Celle qui, un jour, vous a été donné et qui, par nécessité, par oubli, par « comme ça »
ne vous a plus quitté. Elle est dans votre sac, dans votre poche, sur le fond d’écran de votre téléphone pour pouvoir la regarder et la montrer. C’est ici l’occasion. »
Anne Delrez
Exposition en collaboration avec La Conserverie - un lieu d'archives (Metz, France),
le photographe belge Vincen Beeckman présentera le travail "ANNEESSENS"
à La Conserverie du 27 Mai au 15 Juillet 2023.
© Arnal Nicole
29 Septembre > 10 Décembre 2023
Vernissage Jeudi 28 Septembre - 18:30
© Antonio Jiménez Saiz
Stéphanie Petitjean & Antonio Jiménez Saiz
« Ici s’achève la nuit »
Après « Prudents comme les serpents » et « tant de poussière et moi si sourd » exposés en novembre 2021, L’Enfant Sauvage est heureux d’accueillir
à nouveau Stéphanie Petitjean & Antonio Jiménez Saiz.
C’est par l’évidente correspondance entre ces deux projets,
ainsi qu’un intérêt commun pour la question liée au sacré que
« Ici s’achève la nuit » est né, révélant le silence et la contemplation
qui posent les bases de leur démarche.
« Le mot silence est encore un bruit, parler est en soi-même imaginer connaître, et pour ne plus connaître il faudrait ne plus parler.
Le sable eût-il laissé mes yeux s’ouvrir, j’ai parlé : les mots, qui ne servent qu’à fuir, quand j’ai cessé de fuir me ramènent à la fuite. Mes yeux se sont ouverts, c’est vrai, mais il aurait fallu ne pas le dire, demeurer figé comme une bête.
J’ai voulu parler, et comme si les paroles portaient la pesanteur de mille sommeils, doucement, comme semblant ne pas voir, mes yeux se sont fermés.
C’est par une « intime cessation de toute opération intellectuelle » que l’esprit est mis à nu. Sinon le discours le maintient dans son petit tassement.
Le discours, s’il le veut, peut souffler la tempête, quelque effort que je fasse,
au coin du feu le vent ne peut glacer. La différence entre expérience intérieure et philosophie réside principalement en ce que, dans l’expérience, l’énoncé n’est rien, sinon un moyen et même, autant qu’un moyen, un obstacle ; ce qui, compte n’est plus l’énoncé du vent, c’est le vent. »
L’expérience intérieure, Georges Bataille.
12 Janvier > 10 Mars 2024
Vernissage Jeudi 11 Janvier 18h
en présence de Michael Ackerman
MICHAEL ACKERMAN
SMOKE
L'Enfant Sauvage est heureux de présenter SMOKE, ayant fait l’objet du plus récent livre de Michael Ackerman, publié par les éditions de L’Axolotl.
SMOKE est un hommage à Benjamin, chanteur, poète et figure de l’underground américain, et à Cabbageton, un quartier défavorisé d’Atlanta.
Cette exposition associe des photographies de Michael Ackerman, des pages de notes de Benjamin ainsi que des textes de Jem Cohen et Patti Smith. Il révèle la grâce infinie, l’urgence, la délicatesse et la frénésie d’un homme et d’une époque oubliés.
“Je me souviens de ma première fois chez Benjamin, ma première fois à Atlanta.
C’était tard dans la nuit, après un concert de Smoke. Il traînait avec quelques amis dans sa chambre, parlant, riant, fumant. Je le connaissais à peine. Je ne comprends toujours pas pourquoi j’avais été invité. Il était brillant, charismatique, drôle et tendre. Je me suis assis dans un coin, émerveillé et intimidé, et je suis resté silencieux. J’ai peut-être pris quelques photos, peut-être pas. Vers 4 heures du matin, je me suis endormi par terre dans une autre pièce. Quelques heures plus tard, je me suis réveillé, j’ai regardé dans sa chambre et je l’ai vu endormi, lui aussi par terre, devant son lit. Aujourd’hui, 27 ans plus tard, j’essaie de me souvenir de ce que j’ai ressenti en le voyant étendu là, si fragile. J’ai pris une photo à l’époque, je l’ai pris dans mes bras et je l’ai porté jusqu’à son lit, puis je suis sorti dans la lumière du jour pour découvrir Cabbagetown.” - Michael Ackerman
La box galerie et L'Enfant Sauvage sont heureux de s'associer pour cette exposition de Michael Ackerman, la première en Belgique. et durant le Photo Brussels Festival.
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Né à Tel Aviv en 1967, Michael Ackerman passe son enfance et sa jeunesse aux USA,
où sa famille a émigré en 1974. Il vit aujourd’hui à Berlin.
« Dès sa première exposition, en 1999, il s’est imposé comme porteur d’une écriture nouvelle, radicale et singulière. Son approche de Bénarès, réunie sous le titre End Time City, rompait avec tout exotisme, toute tentative de description, toute anecdote, pour questionner le temps et la mort avec une liberté qui lui permettait de passer du panoramique – dont il renouvelait l’usage – au carré ou au rectangle.
En noir et blanc, avec une prise de risque permanente qui l’amenait à explorer des lumières impossibles, il laissait éclater le grain pour imposer des visions énigmatiques et prégnantes. Qu’il s’attache à garder trace des derniers moments de Time Square
habité par des paumés ou des prostituées ou qu’il conserve, en Pologne ou en Italie, le souvenir de visions de lumière et de personnages étranges, il installe toujours un monde en déliquescence, flottant, au bord du gouffre.
La tonalité est sombre, les images énigmatiques et tendues, le temps à la fois suspendu et en déséquilibre, le monde est taraudé par une douleur sourde, un mal-être permanent. De fait Michael Ackerman recherche – et trouve – dans le monde qu’il traverse les correspondances à son malaise personnel, à ses doutes permanents, à
ses propres angoisses. Il l’avoue, discrètement, en réalisant régulièrement des autoportraits, qui n’ont rien de narcissique, mais qui disent qu’il sait appartenir à cet univers qui va mal. »
Christian Caujolle, in Agence VU’ Galerie, Photo Poche n°107, Actes Sud, 2006